lunes, 17 de diciembre de 2012

Exposición "Catálogo Iberoamericano de Ilustración"





  • 'El mar estaba inmóvil' por Nora Millán
  • 'Tráfico'
  • 'Principio' por Gerardo Suzan
  • El catálogo de la exposición
  • 'El Conejo Azul' por Fabricio Vanden Broeck
  • 'Mientras dormías' por Enrique Torralba
  • 'Juliania de Picnic' por Beatriz Martín Treceño
La exposición de la segunda edición del 'Catálogo Iberoamericano de Ilustración' reúne más de 100 piezas originales de los 30 ilustradores iberoamericanos de 9 países diferentes. La muestra acoge obras de la mexicana Cecilia Rébora Gómez, ganadora de esta edición; de las cinco menciones especiales a los ilustradores Fabricio Vanden Broeck, Gerardo Suzán Prone, Nora Adriana Millán Jaramillo y Enrique Torralba de México; además de las Beatriz Martín Terceño de España, así como de otros 24 ilustradores seleccionados.
Empujados por el deseo de abrir las puertas de la imaginación de cualquier lector y buscando acercar la cultura y la educación a la infancia y la juventud, Fundación SM, El Ilustradero y la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México), se aventuraron a lanzar el 'Catálogo Iberoamericano de Ilustración', dirigido a ilustradores de publicaciones infantiles y juveniles originarios de cualquier país iberoamericano, con el objetivo de tender redes, difundir sus obras, y de servir como objeto de consulta y referencia para el medio editorial en general y para quienes día a día se enfrentan al papel en blanco. La iniciativa se presenta por primera vez en Madrid y lo hace en la Casa de América.
Fecha: inauguración jueves 13 de diciembre de 2012.
Hora: 20.30.
Lugar: Sala Diego Rivera.
Entrada libre hasta completar aforo.
Fecha de la exposición: del 13 de diciembre de 2012 al 26 de enero de 2013.
Hora: de lunes a viernes de 11.00 a 19.30. Sábados y festivos de 11.00 a 15.00. Domingos cerrado.
Lugar: Sala Diego Rivera.
Entrada libre hasta completar aforo.

viernes, 16 de noviembre de 2012

PROXIMO ESTRENO 'LEONORA CARRINGTON Y EL JUEGO SURREALISTA' en Madrid

El próximo viernes día 23 de Noviembre a las 20:00h se estrenará en MATADERO MADRID,
la película documental sobre la pintora surrealista LEONORA CARRINGTON,
dirigida por Javier Martín Domínguez.

La proyección tendrá lugar a las 20:00h en la Cineteca de MATADERO, Sala Azcona.
Dirección: Plaza de Legazpi,8.

El jueves día 29 de Noviembre tendrá un segundo pase a las 20:00h en la Sala B de Cineteca.

TRAILER:

NEWS:


Os agradecemos la contribución a la difusión de esta nota
Un cordial saludo


Sonia Tercero
TIME ZONE, S.L.
C/Tutor, 19. 6º Dcha
28008 Madrid

lunes, 6 de agosto de 2012




Hasta el 05 de septiembre.- La exposición Venecia en Carnaval, nos acerca hasta Madrid, todo el esplendor de la ciudad de los canales, mostrando sus personajes y la majestuosidad que adquieren la urbe. El objetivo principal de la muestra, según el autor José Ramón Penedo, es “mostrar al mundo cómo es por dentro la Venecia que todos hemos visto mil y unas veces desde fuera”.
Para ello el fotógrafo ha captado imágenes románticas, coloridas e intensas.
Dónde: Sala de Exposiciones Mejía Lequerica – Albergue Juvenil (c/ Mejía Lequerica, 21. Metro: Bilbao L1-L4 / Tribunal L1-L10 / Alonso Martínez L4-L5-L10)
Horario: de lunes a viernes de 10:00 a 20:00. Sábados y festivos de 10:00 a 14:00 h.
Gratis

sábado, 26 de mayo de 2012

Fundación Mapfre de Madrid acoge la obra de Ernst Ludwig Kirchner

"Una explosión de color se cuela estos días en la Fundación Mapfre de Madrid que este jueves ha presentado la retrospectiva más completa de la obra del artista alemán Ernst Ludwig Kirchner que llega a España y que sólo podrá verse en la capital española", informa la agencia EUROPA PRESS.

Ernst Ludwig Kirchner, "Artista" 1910
(Óleo sobre lienzo)
Desde el 26 de mayo al 2 de septiembre la muestra Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), compuesta por 153 obras, que comprenden óleos, obras sobre papel y esculturas, da cuenta de la importancia vital que contienen sus creaciones. "Esta exposición nos permite construir la historia humana de este artista", ha destacado Pablo Jiménez Burillo, director general de la Fundación Mapfre.

"Kirchner demuestra que es un pintor de su tiempo. Es un nombre que está en nuestra forma de ver el arte y, por lo tanto, uno de los grandes del siglo XX", ha añadido.

Producida íntegramente por la Fundación Mapfre con la colaboración especial del Kirchner Museum Davos, además de otros 26 museos y colecciones privadas, la muestra permite explorar en profundidad todas las etapas y medios del artista, uno de los máximos representantes del expresionismo alemán, co-fundador del famoso grupo Die Brücke [El puente] en 1905 y uno de los grandes artífices de la modernidad. Junto a sus obras, se presenta también una selección de 35 copias modernas de las fotografías con las que Kirchner documentó su vida y su proceso creativo.

AUTODIDACTA

Karin Schick, una de las comisarias de la muestra junto a María Luisa Barrio, ha calificado esta exposición de "hito" por ser la más significativa que se hace de este artista en España.

A este respecto, ha resaltado la "obra diversa" que realizó el artista alemán que incluye pintura, escultura, obra gráfica, dibujos, fotografía... "Utilizó muchas técnicas diferentes que se enriquecían mutuamente. Le gustaba experimentar", ha dicho.

Schick ha recordado que Kirchner fue un "autodidacta" que conocía bien a los clásicos y a sus contemporáneos. "Se formó a base de libros, visitas a galerías y exposiciones y los otros artistas le servían también de inspiración", ha indicado aludiendo especialmente a Picasso y a la corriente francesa de la época.

La comisaria ha resaltado, además de la "imaginación y creatividad" de este artista, su manera innovadora de utilizar las nuevas tecnologías, también en cuanto a los motivos de sus obras, en las que le gustaba plasmar la realidad de las ciudades en donde vivía. "El color es otro de los elementos sustanciales" con los que el artista pretendía "llegar y convencer al público", ha apostillado.

UN RECORRIDO VITAL

La exposición se articula en cinco secciones que hacen un recorrido vital por la obra de Ernst Ludwig Kirchner. La primera recoge sus años tempranos en Dresde, donde fue estudiante de arquitectura, y la creación del grupo Brücke, el primero que desarrolla el Expresionismo.

El segundo apartado se centra en su etapa expresionista en Berlín (1911-15), en la que muestra una gran riqueza en sus técnicas, utilizando el grabado con gran maestría. Predomina aquí el desnudo al aire libre, tema recurrente de su producción.

El tiempo de crisis (1915-17) es el eje de la tercera sección que reúne el fruto artístico de su vida desorganizada en la ciudad y el excesivo consumo de drogas que fueron minando su salud. En esta etapa produce algunas de las más sorprendentes. Sus autorretratos tienen especial importancia.

Los primeros años en Davos (1917-25) dejan creaciones en las que aparece su fascinación por la vida rural de los Alpes. En esta ciudad permaneció hasta el final de su vida. Los colores son aquí más planos y sosegados.

Por último, la quinta sección de la muestra se dedica a la abstracción (1925-38) y es uno de los grandes descubrimientos. En esta etapa se entrelazan imaginación y observación de la naturaleza y Kirchner adopta un lenguaje abstracto, estático y ornamental que le acerca a Picasso, Léger, Le Corbusier y la Bauhaus.

El artista siguió con preocupación el ascenso del nazismo. Con la incautación de obras por parte de los nazis (639 de ellas consideradas "arte degenerado" se retiran de los museos alemanes) Kirchner es expulsado de la Academia de las Artes prusiana.

Por otra parte, la anexión de Austria a Alemania en 1938 lleva a sospechar una posible invasión de Suiza. Ante esta perspectiva el artista destruye parte de su obra y se suicida el 15 de junio de ese año.

viernes, 11 de mayo de 2012

¿Qué es una obra maestra?


Por: | 11 de mayo de 2012

por JOSÉ EMILIO BURUCÚA

Una obra maestra de las artes ha de cumplir, a mi criterio, las condiciones siguientes:

1. Ser producto de una destreza técnica y estética llevada a su punto culminante, ubicado siempre entre el polo del ascetismo y de la escasez de medios que consigue crear un mundo complejo de significados, y el polo de la alta densidad de recursos y formas que logran comunicarnos una verdad simple y fundamental no percibida hasta entonces.

Perro_semihundido

El perro que se hunde en la arena, pintado por Goya en 1820, es un buen ejemplo del primer extremo. Bastan dos planos de valores diferentes de un mismo tono (ocre verdoso), con un velo de sombra en el área que representa el cielo, y unas cuantas pinceladas breves entre el blanco y el negro que definen la cabeza del animalito para sugerir la angustia abismal de cualquier criatura viviente de cara a la posibilidad de la propia muerte. El perro es alegoría o cifra del ser humano; su expresión lo es de la hondura y del sinsentido de nuestro sufrimiento.


El Libertango, compuesto por Piazzola en 1974, repite y apenas varía una frase sincopada de siete corcheas sobre un pedal constante. Se deslizan leves cambios de tonalidad y se despliega un contrapunto mínimo cuando el tema migra entre las voces. La mutación melódica es mínima, el ritmo se modifica sólo en función de la armonía. La repetición de una secuencia de sonidos por aumento o disminución del valor de las figuras replica los diseños fractales de Bach, sugiere un juego infinito de ecos o reflejos sonoros, pero la síncopa pertenece al baile, hecho de deseos en suspenso, del arrabal de Buenos Aires.

Rubenspradoraptoproserpina

En cuanto al segundo polo, quizás el rapto de Proserpina, realizado por Rubens para la Torre de la Parada poco antes de 1638, pueda servir de modelo. Minerva, Ceres y Diana tratan de impedir que Plutón lleve a Proserpina al mundo de los muertos, en un carro tirado por caballos negros a los que azuzan dos amorcillos. El entrelazarse del arabesco en las figuras, la variedad inagotable de las modulaciones cromáticas y la trama mitológica de tantos personajes involucrados son elementos convergentes en la certeza emocional de una violencia masculina que sospechamos perenne en el acto de posesión erótica.

2. Hacer patente, con la colaboración de nuestro esfuerzo por entender, una experiencia compartida, que el horizonte cultural del que la obra ha salido juzga como una asociación de sentidos y emociones fundamentales de su vida social e histórica.

Diadumenos1


El Diadumenos de Policleto transmite con fuerza el ideal viril de la belleza y la virtud, la kalokagathía, que la educación griega procuraba realizar en el cuerpo y en el equilibrio anímico del joven atleta, semejante a los dioses.

God_the_Geometer


El Creador geómetra del códice Vindobonensis 2554, en una miniatura francesa del 1250, contrasta dramáticamente con la escultura de Policleto: representa a una divinidad vestida del cuello a los talones, agachada si no agobiada por la carga que se ha impuesto, sus ojos desmesurados ocupan buena parte de la cara, vehículos de la inteligencia puesta en la operación de cálculo y habilidad de ingeniero que implica el acto de fabricar el mundo. El Dios cristiano se sitúa en los antípodas del gimnasta, es artesano, epítome de una laboriosidad que proyecta la armonía de la mente, no sobre su cuerpo, sino sobre la obra que sale de sus manos.



 La Consagración de la Primavera, estrenada por Stravinsky en París en 1913, fue una partitura escandalosa cuya audición hoy todavía nos eriza. Polirritmos, disonancias, superposiciones inéditas de timbres inyectan en la experiencia urbana del estrépito y las masas el enigma de los misterios primitivos vinculados al renacer de la naturaleza.

Duchamp_bride-stripped-bare


La Novia desnudada por los pretendientes, el Gran Vidrio que hizo Marcel Duchamp entre 1915 y 1923, reúne un retrato casi entomológico de la novia, las siluetas de los autómatas que la acosan y pretenden, los engranajes, la geometría y los mecanismos musicales de la seducción. Ha sido desconstruido, vaciado a fuer de convertirse en una técnica desnuda, burlado y transmutado en objeto de risa el eros de nuestra civilización. La existencia aparece invadida por un enigma difuso que se debate entre el hastío y el absurdo radical de nuestras ilusiones.    
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El artículo saldrá publicado mañana en Babelia, suplemento cultural de EL PAÍS.
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JOSÉ EMILIO BURUCÚA es miembro de la Academia de Bellas Artes de Argentina y autor de ensayos como Historia, arte, cultura. De Aby Warburg a Carlo Ginzburg (Fondo de Cultura Económica) o Enciclopedia B/S (Periférica).

miércoles, 18 de abril de 2012

5º Concurso Internacional de Spots Sociales



Nos ha llegado esta invitación que comparto con vosotros/as  a participar en este concurso



5º Concurso Internacional de Spots Sociales

Desde Mugarik Gabe, organización no gubernamental para el desarrollo que organiza el Concurso Internacional "ZureVision-SocialVision".
Os escribimos para informaros de un cambio en el plazo de presentación de las obras, que se amplía hasta el día 2 de mayo de 2012.

Este concurso busca dar a conocer entre la ciudadanía el concepto de soberanía alimentaria, denunciando el funcionamiento del actual sistema agroalimentario, las consecuencias que éste tiene para las personas que producen los alimentos y quienes los consumen, visibilizando las consecuencias específicas para las mujeres, en los distintos lugares del mundo y en nuestro entorno. Siendo la soberanía alimentaria una alternativa a este modelo pretendemos difundir también las distintas experiencias que están desarrollándose desde está visión.
Animamos a todas las personas y/o colectivos con inquietudes sociales a que se animen a tomar una cámara o incluso su teléfono móvil y plasmen esta temática contribuyendo así, a través de los medios audiovisuales, a la transformación social.
¡Solo hace falta inquietud, imaginación y muchas ganas de cambiar el mundo! 

(Se adjuntan bases del concurso)



info+: MUGARIK GABE -             945 27 73 85       - araba@mugarikgabe.org
ZureVision 2011.pdfZureVision 2011.pdf
295 kb   Ver   Descargar  

domingo, 15 de abril de 2012

Pon a volar tu imaginación y participa


Con motivo de su 20 aniversario, el Museo de Arte para niños de Berlín invita a todos los menores a enviar un dibujo con el tema “Dame tu mano” y participar en la octava exposición internacional de Arte para niños planeada para el 2013.
ColourboxAmpliar imagen(© Colourbox)A partir de este momento y hasta noviembre de 2012, está abierta la convocatoria para que los niños y jóvenes entre 3 y 17 años realicen una obra en la que plasmen sus sueños con colores y la envíen antes de junio de este año.

Pueden usar la técnica que más les guste, pues todas están permitidas, sin embargo, es obligatorio cumplir con el tamaño de 21 x 15 centímetros. En una parte del lienzo deben colocar su mano y marcarla para después, con ayuda de su imaginación, la pinten y decoren.

En el reverso de la obra pueden escribir un saludo a sus seres queridos, a los participantes o al público en general. Es requisito escribir su nombre y dirección con letra legible y al final, enviarlo a:
 Kinder-Kunst-Museum e.V.
„8. WKA“
Hartmannsweilerweg 9+11
D-14163 Berlin

Los trabajos elegidos para formar parte en la exposición se incluirán también en un catálogo o DVD y se enviarán como recuerdo y símbolo de agradecimiento y amistad a los creadores de cada uno de ellos, mismo que irá acompañado de un certificado.
El envío del dibujo, otorga todos los derechos al Museo de Arte para niños de Berlín (Kinder-Kunst-Museum e. V). Los trabajos no serán devueltos y podrán ser utilizados por parte del museo en otras exposiciones y proyectos.
 ¡Diviértete y sumérgete en un mundo de fantasía para crear tu dibujo! 
 Enlace:

CAI (o), con información del Museo Kinderkunst Museum of Children´s Art, 17 de febrero 2012.



8. Welt-Kinderkunst-Ausstellung
„Reich mir Deine Hand“

Einladung zum Mitmachen

Zum 20. Jubiläum des Kinder-Kunst-Museum e.V.
Berlin – International laden wir alle jungen Menschen im Alter von
3 bis 17 Jahren ein, an der 8. Welt-Kinderkunst-Ausstellung
 „Reich mir deine Hand“ teilzunehmen.
Vermischt eure Träume mit Farben und sendet uns eure "Hände"
spätestens bis zum Ende November 2012.
Die Ausstellung findet von Mai 2012 bis Januar 2014 in der Stiftung Domähne Dahlem − Landgut und Museum in Berlin statt.
Postkartenformat: nur 21x15 cm (Karton)
alle Maltechniken erlaubt.
Wir bitten euch auf eine Seite des Kartons eure Hand aufzulegen und abzuzeichnen. Diese Handfläche und drum herum könnt Ihr nach eurer Phantasie bemalen.
Auf die Rückseite schreibt ihr bitte einen Gruß an einen Freund in der Welt.
Schreibt in latainischen Druckbuchstaben euren Vornamen, Namen, Alter, Schuladresse und sendet an:
Kinder-Kunst-Museum e.V.
„8. WKA“
Hartmannsweilerweg 11
D-14163 Berlin
Ausgewählte Arbeiten für die Ausstellung werden ab Dezember 2012 zwei Jahre lang auf unserer Homepage für alle zu sehen sein. Außerdem werden sie in einem Katalog oder einer DVD gefasst und an euch als Andenken und Symbol der Freundschaft mit dem Zertifikat "Museumssilberblatt" verschenkt.
Viel Spaß und Fantasie beim Malen wünscht euch der KKM-Vorstand!
Achtung! Eure Arbeiten senden wir nicht zurück. 
Sie werden bei weiteren Ausstellungsprojekten zur Völkerverständigung beitragen.
Alle Rechte verbleiben beim Kinder-Kunst-Museum e.V.

lunes, 9 de abril de 2012

Medio centenar de galerías participarán en el próximo Gallery Weekend Berlin


DGF Noreturn, 2009. Cortesía del artista y de Esther Schipper, Berlin
La octava edición de este evento tendrá lugar entre el 27 y el 29 de abril

Berlín, 09/04/2012

La próxima edición del Gallery Weekend Berlin se desarrollará entre los días 27 y 29 de este mes y contará con la participación de 51 salas de arte de la capital alemana. Seis de ellas se incorporan este año a la cita: Chert, CIRCO, López Supportico, Cinzia Friedlaender, VeneKlasen Werner / Niels Borch y Jensen, que enriquecerán el programa del evento con propuestas de artistas emergentes y nuevos géneros.

La cita busca potenciar la participación de galerías jóvenes con facilidades de inscripción: aquellas con menos de cinco años de andadura se benefician de una cuota de inscripción más baja.


El Gallery Weekend Berlin fue fundado hace ocho años por iniciativa privada de un colectivo de galerías berlinesas. Desde entonces, atrae a la capital alemana a coleccionistas, expertos y amantes del arte de todo el mundo y se ha consolidado como uno de los mayores eventos dedicados en aquel país al arte contemporáneo.


Os ofrecemos la lista de salas participantes y los artistas que protagonizan muestras en ellas en este momento: Arratia Beer (Katerina Seda), Galerie Guido W. Baudach (Thomas Zipp, Niels Borch Jensen Galerie (Douglas Gordon), Galería Isabella Bortolozzi (Atkins, BLIGHTMAN, Branzi, Chung y Maeda, De Gruyter y Thys, MCDONALD, Rama, Rodas , Sapountzis, VO), BQ (Friedrich Kunath), Galerie Daniel Buchholz (Mathias POLEDNA, Cerith Wyn Evans), Galerie Buchmann (Zaha Hadid), Capitán Petzel (Robert Longo), Carlier Gebauer I (Paul Graham), Chert (Lucy Coggle ), Galerie Mehdi Chouakri (John M Armleder), Circo (Varda Caivano / Yael Davids), Arte Contemporáneo Bellas (Julian Schnabel), Anciana Galerie (Hans Arp / ANDY WARHOL Missika / Adrien), Croy Nielsen (Andy Boot), Galerie Eigen + Arte (Martin Eder), Konrad Fischer Galerie (Richard Long), Galerie Cinzia Friedlaender (Matthias Schaufler), Galerie Michael Fuchs (Andreas Golder), Gerhardsen Gerner (Lari Pittman), Galerie Michael Haas (Charles Matton), Galerie Max Hetzler ( Rebecca Warren), Johnen Galerie (Martin Boyce, Stefan Bertalan), Galerie Kamm (DI MICHELE Menna), Kicken Berlín (Diane Arbus), Klosterfelde (Matt Mullican), Johann König (Katharina Grosse), Kow Berlín ( Alice Creischer), Galería Tanya Leighton (Alejandro Cesarco), Meyer Riegger (Armin Boehm), Arte Moeller Fine ("HOWARD GALERÍA DE SABIO: explorar lo nuevo": Christo, Dorazio, Le Parc, Mack, Paik, Piene, Sedgley, AO ), Galería Neu (Gedi Sibony, Cerith Wyn Evans, Anna Blessman y Saville Pedro), Neugerriemschneider (Rirkrit Tiravanija), Galerie Nordenhake (Meuser), Peres Projects Berlín (Leo Gabin), Galerija Gregor Podnar (Alexander Gutke), PSM (Ujino ), Aurel Scheibler (Leon Golub, DAVID Schutter, Michael Wutz), Esther Schipper (Dominique Gonzalez-Foerster, Nathan Carter), Galerie Micky Schubert (Lydia Gifford), Galerie Thomas Schulte (Victor Burgin, Alfredo Jaar), Sprüth Magers Berlin (Jenny Holzer, Robert Elfgen, Anthony McCall), Supportico Lopez Berlin (Gino de Dominicis, "ALS MORANDI": BYRNE, CECCALDI, ENGH, HÄUSLER, KEATING, ALEK O), Galerie Barbara Thumm (Jota Castro), Sassa Trülzsch (Alexandra Leykauf), VW (Veneklasen/Werner) (Michael Williams), Galerie Barbara Weiss (Monika Baer) , Wentrup (David Renggli), Kunsthandel Wolfgang Werner (François Morellet), Wien Lukatsch Barbara Wien Wilma Lukatsch y Zak Branicka (Joanna Rajkowska).

Podéis encontrar más información aquí.


A los que estéis en Berlin en esas fechas aprovechad de visitar este importante evento de arte contemporáneo



jueves, 29 de marzo de 2012

SÉRAPHINE LOUIS (Séraphine de Senlis):1864-1942

Séraphine Louis, algunas veces citada como Séraphine de Senlis, nació en 1864 en Assy (Oise). Jamás estudió pintura, ni durante los tiempos de su niñez, cuando fue pastora, ni posteriormente, cuando trabajaba como sirvienta.[1]

¿Cuándo empezó a plasmar con formas y colores sus sueños y sus impulsos? ¿Por qué lo haría? Sabemos muy poco del drama íntimo de su pequeño ser. Y quizás todavía sabríamos menos de su arte si el azar no la hubiera reunido con aquél hombre que, impresionado por las imaginaciones de Rousseau, seguía la huella de los modernos primitivos.

El ignorante mundo la tomó por la humilde sirvienta de Senlis. Pero ella había sido llamada para ver, para mirar, a través de los bastidores perecederos de lo temporal, y para anunciar la eternidad. (…)”








En el año 1912 Wilhem Uhde [2] se trasladó a Senlis para descansar en la paz de esa vieja y pequeña ciudad de la Ile de France, cercana a Paris y, al mismo tiempo, alejada del Barullo. Cada mañana acudía una mujer para limpiarle la vivienda. Uhde apenas se fijó en ella. Un buen día vió en una casa de Senlis un bodegón de manzanas que le llamó la atención. Preguntó el nombre del pintor. << ¡Es su asistenta Séraphine!>> Hasta ahí le había guiado el destino a ciegas. Ahora podía cuidarse Uhde de que los estáticos ramos de flores crecieran hasta convertirse en poderosos árboles de fantasía. (…)

Uhde señala que Séraphine guardaba rigurosamente el secreto de su pintura. Nadie podía mirar cuando ella pintaba, cuando mezclaba los colores y preparaba el lienzo para que todo se efectuara con perfección artesana.[3] Vivía con un recogimiento monacal en su pequeña habitación, sobre cuya chimenea siempre ardía una eterna luz a la Virgen.[4]


Pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro, pintaba en una especie de trance, como jardinero místico, los flamantes ramilletes tras los cuales se oculta la tentación de todo lo sagrado. Plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas, en cuyo resplandeciente nervio se abren ojos. Extraña malla de susurrantes y concupiscentes ramajes con sartas de perlas compuestas por bayas del arbusto de la ternura, y umbelas estrelladas del jardín de los placeres. (…)

(…) Todas las luces y las brasas de sus sueños se apagaron un día. Entonces vagó de casa en casa y predicó el fin del mundo. Su espíritu había quedado vacío y desequilibrado. En 1934 murió en el asilo de ancianos de Clermont.[5]
Para Séraphine el arte fue como una revelación. Para ella la pintura –igual que para Van Gogh- era un acto afectivo. Era como si se redimiera mediante el acto de la creación. Con los ojos inmensamente abiertos caminaba a ciegas por la uniforme monotonía de su insignificante vida."

 
[1]-Séraphine Louis nació en Arsy (Oise) el 3 de septiembre de 1864. Su padre era obrero-según la partida de nacimiento- y su madre procedía de una familia de campesinos. Cuando Séraphine tenía a penas un año murió su madre. Su padre, que había vuelto a casarse, murió seis años después. Huérfana, vivía con su hermana mayor. Empezó a trabajar como pastora, y a partir de 1881 trabajó como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia, en Clermont (Oise). En 1901 comenzó a trabajar como criada en diferentes casas de Senlis.

[2]-Willhem Uhde: Coleccionista, marchante, galerista y crítico de Arte, el nombre de Wilhelm Uhde se asocia con la vanguardia artística parisina de principios del siglo XX. En 1908 se casó con la pintora Sonia Delaunay. Tras dedicarse a comprar y exponer la obra de impresionistas y cubistas, comenzó a consagrar gran parte de su energía y de su fortuna a los pintores “naïfs” o ingenuos, a los que prefería llamar “primitivos modernos” y a los que también llamó “pintores del Sagrado Corazón” en la primera exposición que les dedicó en París, en 1929 , con obras de Henri Rousseau, Séraphine de Senlis, Camille Bombois, Louis Vivin, André Bauchant...
[3]-Su técnica, completamente particular, consistía en el uso de la pintura Ripolin –la más común del mercado-, mezclada con la cera de velas que cogía en la iglesia, tierra extraída del cementerio y otros campos, de su propia sangre, que extraía de sus heridas y daba vida a sus cuadros…

[4]-Séraphine comenzó a pintar, según decía, por indicación de los ángeles y la Virgen. Cuando salía del aislamiento de su habitación iba a hablar y abrazar a los árboles y las flores.

[5]-Séraphine Louis, que había nacido el mismo año que Camille Claudel, vivió sus últimos años, como la escultora, que sólo le sobrevivió un año, internada en un asilo mental. Murió el 11 de diciembre de 1942, a los 78 años, en un anexo del hospital de Villers-sous-Erquery, a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas y la falta de alimento durante la ocupación alemana de Francia en la II Guerra Mundial y que fueron fatales para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. Fue enterrada en una fosa común.

El  texto es un resumen extraído de:
BIHALJI-MERIN, Oto: El Arte Naïf, ed. Labor, Barcelona, 1978. ISBN: 84-335-7558-9; pp. 45-46

Las notas al pie son de Mercedes García Bravo.

Fuente: Mujeres en el Arte


La Paradoja de la Percepción

miércoles, 14 de marzo de 2012

Las esculturas de Miró se alzan en plena naturaleza de Yorkshire



Yorkshire (R.Unido), 14 mar (EFE).- En medio de las suaves y verdes colinas del norte de Inglaterra, el parque escultórico de Yorkshire cumplió uno de los sueños de Joan Miró: mostrar sus esculturas al aire libre, en medio de la naturaleza.

El parque, que este sábado inaugura al público la exposición "Miró escultor", reúne un centenar de esculturas del artista procedentes de todo el mundo, en la primera muestra en el Reino Unido sobre esta faceta del genio del surrealismo catalán.

La obra de Miró (1893-1983), que en alguna ocasión expresó su deseo de que sus esculturas se confundiesen con árboles, piedras, raíces, plantas y flores, se reparte en dos espacios: uno exterior, expuesto a la neblina y la humedad británicas, y otro interior, donde también se muestran algunas de sus obras pictóricas.



"Me sorprendí al descubrir un Miró poético en sus trabajos en bronce. Estos magníficos jardines al aire libre junto con las salas donde las esculturas y las pinturas dialogan, le dan una nueva dimensión a su obra y transmiten una sensación de libertad y utopía", dijo hoy Joan Punyet, nieto del artista.

La presencia de las toscas figuras de bronce creadas por Miró, de color plomizo con la neblina de la mañana pero radiantes con el sol de mediodía, impregnan de surrealismo el verde paisaje de Yorkshire, caracterizado por sus colinas y riachuelos.

En la galería interior, donde unos enormes ventanales llenan las salas de luz, se exponían otras esculturas más coloristas junto a algunas pinturas y bocetos destinados a que el surrealismo de Miró sea entendido por el público inglés.

"Es uno de los grandes artistas de su generación. Pero creo que muchos británicos no lo acaban de entender. En esta exposición queremos explicar el arte de Miró y descubrir su faceta como escultor, que era fantástica. Mucha gente se va a sorprender", dijo a Efe Peter Murray, el director del parque.

Admirado por sus pinturas surrealistas, la faceta como escultor de Miró ha pasado más desapercibida.

Ello a pesar de que realizó más de 400 esculturas y de que, a partir de los años 60, se dedicó sobre todo a esculpir.

Esta muestra quiere "hacer justicia" a esa vertiente de Miró y contiene algunas de sus obras más destacadas, como "Monumento a la mujer" (1970), "Mujer y pájaro" (1982), "Pájaro lunar" (1966), "Chica escapándose" (1967) o "La caricia de un pájaro" (1967), transportadas desde Barcelona, Mallorca o París para la ocasión.

También sobresale la enigmática escultura "Personaje gótico" (1967), ubicada en la cima de una colina, desde donde la obra de Miró domina un característico paisaje inglés que ha inspirado, entre otros, a artistas como David Hockney o Henry Moore.

"Estamos en Inglaterra, en el país de Henry Moore, de los colores plomizos y las luces tamizadas. Pero la obra de Miró ha tomado las raíces de este paisaje y le ha dado una luz mediterránea", aseguró el nieto del artista.

La exposición supone para el parque escultórico de Yorkshire "un sueño hecho realidad. Todo el conjunto unido se convierte en algo muy bonito. El equilibrio entre naturaleza, arte y los espacios interiores es perfecto", aseguró Murray.

"Difícilmente se verá otra recopilación así. Por las obras y por los rasgos del museo", vaticinó Emilio Fernández, otro de los nietos de Miró que asistió hoy a la presentación a la prensa de esta muestra.

Con unas 400 hectáreas de terreno, el parque escultórico de Yorkshire se convirtió en 1977 en el primero permanente del Reino Unido y es visitado cada año por unas 350.000 personas.

Antes de Miró, este parque había acogido con anterioridad retrospectivas de Moore, Hepworth, Antony Gormleym, Jonathan Borofsky, Alec Finlay, Andy Goldsworthy o el español Jaume Plensa, cuya exposición fue la más destacada del año pasado.

Dani Bosque

Jesús de la Sota: Silencios y ritmos



Jesús de la Sota. Dos sillas, 1955-1956
Jesús de la Sota: Silencios y ritmos
Dibujos y pinturas realizados por el artista gallego en la década de los cincuenta se muestran en José de la Mano Galería de Arte

Madrid, 08/03/2012

Desde hoy y hasta el 30 de abril puede visitarse en la galería madrileña José de la Mano (Claudio Coello, 6) "Silencios y ritmos", exhibición que reúne dibujos, óleos y algún ejemplo de mobiliario diseñado por Jesús de la Sota en los inicios de su trayectoria (1955-1961), quizá el periodo más interesante de su carrera.

Las obras expuestas en José de la Mano se agrupan en series diversas (peces, barcas, Fuengirola, grandes óleos, gramíneas, Guadarrama, etc) y evolucionan en el tiempo hacia una cada vez más depurada y rítmica abstracción. Algunas de estas obras están estrechamente relacionadas con sus proyectos de interiorismo y con la arquitectura; hay que recordar que Jesús era hermano de Alejandro de la Sota, con quien emprendió iniciativas comunes alabadas en la época por su funcionalidad y por unir su estética vanguardista con el aplauso del gran público.

Jesús de la Sota, nacido en Pontevedra en 1924 y fallecido en Berlín en 1980, se movió estrictamente dentro de los cánones de la abstracción geométrica. Por su normatividad, su obra recuerda a la de José María de Labra, de quien Sota fue amigo y con quien expuso en diversas ocasiones tanto a nivel nacional como internacional.


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Jesús de la Sota
Pintura, 1960
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Jesús de la Sota
Gramíneas, 1955